30 ene. 2010

Estrenos del 28/01

El exitismo y el vacío (esta vez), de Clint Eastwood. La desvergüenza de citar nada menos que a Fellini y 8 ½ en la versión de un musical que, encima, era mucho mejor sobre el escenario, dirigido por quien con anterioridad había hecho trizas nada menos que a Bob Fosse; la vuelta de un superhéroe de los años 50, mezcla de Pinocho (pero sin mentiras) y de robot de Metrópolis, exitoso como animé una década después; una de zombies que saca partido de lo excesivo y ridículo del subgénero de terror, y finalmente reciclado en una nueva animación digital que no alcanza el nivel de su predecesora y, finalmente, una maravillosa sorpresa mexicana que, créase o no, es una ópera prima.
Ese es el panorama de la calurosa semana con la que termina enero.

INVICTUS (idem, EE.UU./200) Director: Clint Eastwood. Con Morgan Freeman, Matt Damon. 133’. Buena

Película por encargo. Esta apreciación puede no significar demasiado. Las hubo, muchas, muy buenas. Sin embargo, para un cineasta de la talla de Clint Eastwood, a esta altura de las circunstancias (su retiro, en cualquier momento), es un bajón. En realidad, Eastwood nunca había sido considerado un gran director hasta que a principios de la década del 90 sorprendió con su western Los imperdonables, que por su tono corrosivo y sesgo borgeano, se convirtió en último del género con el que nació el cine norteamericano. Desde entonces, muchos de quienes lo convirtieron en “lo más” se encargaron de explicar hasta lo inexplicable. Convengamos de que si, la mayoría de sus propuestas desde entonces siguen sorprendiendo por su rigor narrativo, por la originalidad de algunas de esas historias y por su obsesión en construir personajes de envergadura, aún aquellos pequeños o comunes. Claro está en que en cada una de esas propuestas, algunas más mainstream, otras menos rimbombantes, y en consecuencia más ricas, hay algo que nos dice que estamos en presencia de un nombre importante. Lo que mucho no se entiende es porqué fue el elegido para dirigir esta historia que mezcla a Nelson Mandela con el rugby, en un momento clave de la historia sudafricana.
La historia es así: Nelson Mandela (Morgan Freeman) se alió con el capitán del equipo de rugby de Sudáfrica, Francois Pienaar (Matt Damon), para ayudar a unificar su país. Aplausos.
El recién elegido presidente Mandela sabe que, después de años de apartheid, su país sigue dividido racial y económicamente. Con la confianza de que puede reconciliar a su pueblo usando como excusa al deporte, Mandela se une al débil equipo sudafricano de rugby cuando, de forma inesperada, consigue llegar a la Final de la Copa del Mundo de Rugby de 1995, con la ayuda de un entrenador rubio y de ojos celestes.
Lo bueno y lo malo. Lo bueno: que Eastwood sabe narrar bien, incluso cuando lo que le toca contar no lleva su firma, que tiene el don para mantener la tensión a pesar del final que todos podemos conocer con solo buscar que ocurrió en aquel evento deportivo. Lo malo: que Eastwood está para cosas mejores claro que la tentación del oro puede ser mucha, a pesar de que a su edad esas cuestiones deberían estar en un segundo o tercer plano.
En cuanto a presencias, Freeman y Damon salen airosos del desafío de componer a personajes cercanos y chequeables, con solo hacer un par de cliks en Internet.

CINCO DIAS SIN NORA (México/2009) Directora: Mariana Chenillo. Con Fernando Lujan.

La película con la que debuta Mariana Chenillo en la dirección de largometrajes no puede encuadrarse en un género. Para algunos puede ser más una comedia, para otros una comedia dramática, y para quienes la observan con ojos más agudos, una comedia en la que sobrevuela la nostalgia, con algunos toques de humor negro.
La historia, que abreva en la propia de la cineasta, comienza siguiendo a Nora, la mujer que ronda los sesenta y que prepara una cena de Pesaj en la que piensa reunir a su familia, es decir a su ex esposo, a su hijo y nuera, a sus dos nietas y a su hermana. Lo que se descubre casi al mismo tiempo es que en realidad, la reunión es una excusa porque al mismo tiempo la mujer ingiere las pastillas necesarias como para despedirse de todos, para siempre. Su ex esposo, que vive en un edificio de la vereda opuesto, a muy pocos metros de distancia será uno de los primeros en enterarse de lo ocurrido y por lo tanto quien debe encargarse del funeral, bajo el estricto ritual judío. La cuestión es que este hombre que se autoconfiesa ateo debe hacer malabarismos de todo tipo para lograr que este último ritual se concrete en tiempo y forma. Es obvio antes de lo pensado que el departamento se convertirá en punto de encuentro de familiares cercanos y rabinos, y que en medio de todo este dislate, este buen hombre descubrirá algunos secretos escondidos por la finada con tendencia suicida. Chenillo saca provecho de un guión muy rico en situaciones que puede resultar graciosas, corrosivas y muy emotivas a la vez. Y también de actores que con personajes más o menos importantes logran la empatía del público, en especial la del masculino que se siente identificado con este hombre que a pesar de la distancia, de su estar de vuelta, de su escepticismo y su mirada agriada de la vida, recuerda a quien fue el gran amor de la suya, con igual pasión que cuando era muy joven y tenía todo por delante.

NINE (EE.UU./2009) Director: Rob Marshall. Con Daniel Day-Lewis, Penelope Cruz, Sophia Loren

Federico Fellini fue un artista con mayúscula. Sus obras, difícilmente, puedan rehacerse porque son suficientes. Algunas, léase La Strada, La dolce vita y 8 ½, pertenecientes a la década del 60, son las más “maestras” de todas. Precisamente en la última de las citadas, el cineasta nacido en Rimini, se refiere al proceso de creación y a su relación con lo femenino. ¿Qué es lo que ocurre en 8 ½ y a qué se refiere su título? Guido Anselmi, en la obra de Fellini nada menos que Marcello Mastroianni, es un director de cine que entra en crisis tras un rotundo éxito, dispuesto a construir una obra de arte, proceso en el que recuerda a todas las mujeres, más de una docena, que tuvieron algo que ver en su vida, que lo atravesaron, a las que amó, a las que dejó. Esa maldita costumbre norteamericana de adaptarlo todo hizo que, primero, fuese un musical, de igual manera que en su tiempo Las noches de Cabiria se convirtieron en Sweet Charity. Lo reconozco, no vi el musical en escena y dicen, quienes saben del tema (de musicales obviamente), que la versión que aquí se dio era realmente buena. Aún así hay que tomar con pinzas esas reflexiones que provienen de quienes aman los musicales pero que quizás no tienen tan en claro el lenguaje del cine y probablemente aprecien a Fellini pura y exclusivamente por su costado estético, en especial el de su etapa en color.
No obstante las obras deben hablar por su mismas, y Nine lo hace. Por cierto lo que dice no es para nada afortunado, sino una sucesión de números musicales, algunos mejores, otros sencillamente malos, que en lugar de homenajear a su inspirador, le echan palas de tierra.
Como ocurrió con el excelente musical Chicago, desperdiciado en su pase a la pantalla de cine por este mismo Rob Marshall, Nine no tiene fuerza dramática, ni escénica y hay que reconocerlo, tampoco musical. Chicago era un producto creado por Bob Fosse, Nine no.
Realmente sorprende porqué Daniel Day-Lewis fue el elegido para el papel principal, que en principio ofrecieron sucesivamente a Carlos Bardem y a Antonio Banderas, quienes rechazaron la oferta. En cuanto a las mujeres, la cosa es variopinta. Todas ellas son buenas actrices, o cantantes, como el caso de Fergie, que además de ser muy bonita se las rebusca muy bien a la hora de actuar porque sus clips –con los Black Eye Peas o sola- siempre fueron muy actuados, pero todos estos ingredientes no son suficientes como para resultar un buen producto.
En todo caso, Nine deviene una buena excusa para rever al viejo y querido Fellini. Aquí van dos fragmentos de aquella obra insuperable, y un documental sobre su rodaje.








TIERRA DE ZOMBIES (Zombieland, EE.UU./2009) Director: Ruben Fleischer. Con Woody Harrelson, Jesse Eisenberg, Emma Stone.



ASTROBOY (ídem, Hong Kong-EE.UU./2009). Director: David Bowers.



Otra remake, y van. Hay que aclarar de antemano que la historieta de Osamu Tezuka y el animé que en la Argentina se vió por TV en la década del 60 son realmente magistrales, y que sus historias realmente maravillosas.

28 ene. 2010

El curioso adiós al cine Astoria, en Málaga





Nota: Las imágenes incluidas en este artículo forman parte del proyecto Sujeto encontrado, del colectivo Maldito 4, y son excelentes.
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Las salas cinematográficas, en todo el mundo cierran. Pero ¿qué quiere decir esta frase que de hecho se repite periódicamente hace más de dos décadas?

Es simple: las salas convencionales que conoció el cine por casi un siglo no tiene lugar en este nuevo mundo de consumo y tecnologías cambiantes. Aquí y allí no existe decisión siquiera de conservar aquellas salas que por su arquitectura valdría la pena sostener, incluso a través de los apoyos oficiales.
Buenos Aires y las principales ciudades del interior del país vienen sufriendo esas pérdidas y son muy pocas las veces que algunas construcciones que en su tiempo fueron veneradas, sobreviven parecidas a lo que fueron en sus tiempos de esplendor.
El caso que ilustran estas imágenes es el de un cine malagueño que al mis tiempo que era desmantelado, sirvió –al menos parte de su escenografía característica: su marquesina- como tipografía en tres dimensiones útil para una performance que recuerda a aquellas de tiempos de los porteños Instituto Di Tella y CAYC, eso si, del otro lado del Atlántico, más precisamente sobre el Mediterráneo.

¿Cómo se llamaba aquel viejo cine que ya no existe? Astoria, que se anticipó al cierre de lasa que conformaban el complejo Albeniz, a unas pocas cuadras de allí, en la ciudad donde nació y vivió Pablo Picasso.

20 ene. 2010

Campanella pone en segunda

El secreto de sus ojos es noticia una vez más. El sábado 16, un comité especial de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood (AMPAS), eligió los 9 títulos que pujarán entre el 31 de enero y 2 de febrero, para ocupar unos de los cinco lugares previos a la elección definitiva del ganador del Oscar a mejor película no hablada en inglés. Mientras el primer comité solo fue integrado por asociados de Los Angeles, este segundo estará confiormado también por oriundos de Nueva York. A Campanella le toca pujar con dos pesos pesados, tales los casos de Jacques Audiard y Michael Haneke, dos nombres muy respetados por el público cinéfilo internacional.

· Argentina, El Secreto de Sus Ojos, de Juan Jose Campanella
· Australia, Samson & Delilah, de Warwick Thornton
· Bulgaria, The World Is Big and Salvation Lurks around the Corner, Stephan Komandarev
· France, Un profeta, Jacques Audiard
· Alemania, La cinta blanca, de Michael Haneke
· Israel, Ajami, de Scandar Copti y Yaron Shani
· Kazakhstan, Kelin, de Ermek Tursunov
· Holanda, Winter in Wartime, de Martin Koolhoven
· Peru, The Milk of Sorrow, Claudia Llosa, director.

Smirnoff y Rompecabezas a Berlín


La Argentina tiene con qué. Finalmente,la competencia oficial del Festival de Berlín (a realizarse en febrero), contará con una producción nacional, en coproducción con Francia, en la competencia oficial. Se trata de Rompecabezas, la ópera prima Natalia Smirnoff, hasta ahora, asistente de dirección de cineastas como Alejandro Agresti, Pablo Trapero y fundamentalmente de Lucrecia Martel, de quien además fue directora de casting de todas sus películas. La joven Smirnoff que antes que cineasta fue periodista y de espectáculos (su padre Miguel Smirnoff es el creador de la revista Prensario, donde ella trabajó)se lanzó a la aventura de su primer largometraje, cuyo elenco está encabezado por María Onetto, a quien acompañan Arturo Goetz y el Puma Gabriel Goity. Onetto,últimamente aplaudida por sus trabajos
en TV y en cine La mujer sin cabeza, por la que ganó el Cóndor de Plata de la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina en 2009, encarna a una mujer, María del Carmen, que cumple 50 años y hace tiempo que no festeja. Sus hijos se están yendo y su etapa de madre protectora se está terminando. Un regalo fortuito para su cumpleaños, la pone en contacto con otra realidad en la que descubre una habilidad desconocida: El rompecabezas.
La obsesión comienza a ser el ordenador central de su vida. El cuestionamiento de la familia la obliga a pasar a la clandestinidad, para estar tranquila con su pasión. Allí aparecen Roberto, un millonario que quiere competir en el torneo mundial de rompecabezas en Alemania y debe entrenar fuerte para eso. Pero María del Carmen es una ama de casa de familia de clase media del conurbano bonaerense y esto representa un nuevo mundo, difícil de enfrentar. El rompecabezas se convierte en un símbolo del cambio que la lleva a descubrir una nueva María del Carmen que debe decidir su nuevo lugar en el mundo. Otras figuras del film, producido por Carrousel Films, Las Niñas Pictures (Francia), Zarlek Producciones y la misma cineasta, son Henny Trailes, Marcela Guerty y Mirta Wons.
La película ya había sido presentada, en una primera versión, pero con muy buena recepción en Cine en Construcción del último festival de San Sebastián.

19 ene. 2010

El Cóndor llega

Se anunciaron los candidatos de la 58° edición de los premios Cóndor de Plata, que entrega la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina, al cine nacional y extranjero, en este caso al estrenado durante 2009.
El secreto de sus ojos, de Juan José Campanella, recibió un total de 14 candidaturas en 13 rubros, sobre una posibilidad máxima de haber estado en los 16 a los que podía aspirar. La siguieron en la lista Las viudas de los jueves, de Marcelo Piñeyro y Felicitas, de Teresa Costantini. También recibieron varias nominaciones La sangre brota, de Pablo Fendrik, con 6 y Mentiras piadosas, con 5, mientras que otros títulos del cine independiente local, como Castro y Legión, tribus urbanas, aparecieron entre el resto de los candidatos.
Esta es la lista completa de aspirantes, que deberán esperar a mayo para conocer los resultados definitivos.

Mejor Película
El artista, de Gastón Duprat y Mariano Cohn
La sangre brota, de Pablo Fendrik
El secreto de sus ojos, de Juan José Campanella
Las viudas de los jueves, de Marcelo Piñeyro
Una semana solos, de Celina Murga



Mejor Director
Juan José Campanella, por El secreto de sus ojos
Gastón Duprat y Mariano Cohn, por El artista
Pablo Fendrik, por La sangre brota
Celina Murga, por Una semana solos
Marcelo Piñeyro, por Las viudas de los jueves

Mejor Actor
Ricardo Darín, por El secreto de sus ojos
Arturo Goetz, por El asaltante
Diego Peretti, por Música en espera
Carlos Portaluppi, por Homero Manzi, un poeta en la tormenta
Leonardo Sbaraglia, por Las viudas de los jueves



Mejor Actriz
Ana Celentano, por Las viudas de los jueves
Leonor Manso, por Luisa
Marilú Marini, por Mentiras piadosas
Natalia Oreiro, por Música en espera
Soledad Villamil, por El secreto de sus ojos

Mejor Actriz de Reparto
Norma Aleandro, por Anita
Ana Celentano, por Felicitas
Mirella Pascual, por El último verano de La Boyita
Gabriela Toscano, por Las viudas de los jueves
Mónica Villa, Toda la gente sola

Mejor Actor de Reparto
Mario Alarcón, El secreto de sus ojos
Arnaldo André, La extranjera
Guillermo Francella, por El secreto de sus ojos
Miguel Angel Solá, El corredor nocturno
Alejandro Urdapilleta, por Toda la gente sola

Revelación Femenina
Guadalupe Alonso, por El último verano de La Boyita
Emme, por El niño pez
Sabrina Garciarena, por Felicitas
Alejandra Manzo, por Anita
Vera Spinetta, Las viudas de los jueves

Revelación Masculina
Santiago De Jesús, por Días de mayo
José Luis Gioia, por El secreto de sus ojos
Antonio Larreta, por La ventana
Sergio Pángaro, por El artista
Nicolás Treise, El último verano de La Boyita

Mejor Documental
Haroldo Conti, homo viator, de Miguel Mato
Mundo Alas, de León Gieco, Fernando Molnar y Sebastián Schindel
Norma Arrostito: Gaby, la montonera, de César D’Angiolillo
Tierra sublevada: Oro impuro, de Fernando Solanas
Unidad 25, de Alejo Hoijman

Innovación Artística
Iraqi Short Films, de Mauro Andrizzi
Legión, tribus urbanas, de José Celestino Campusano
Parador Retiro, de Jorge Leandro Colás
Regreso a Fortín Olmos, de Patricio Coll y Jorge Goldenberg
süden, de Gastón Solnicki

Mejor Opera Prima
El asaltante, de Pablo Fendrik
Luisa, de Gonzalo Calzada
Mentiras piadosas, de Diego Sabanés
Música en espera, de Hernán A. Goldfrid
Toda la gente sola, de Santiago Giralt

Mejor Guión Original
El artista (Andrés Duprat)
Felicitas (Sabrina Farji, Garaciela Maglie, Felix Quadros y María Teresa Correa Avila)
La sangre brota (Pablo Fendrik)
Música en espera (Patricio Vega y Julieta Steinberg)
Toda la gente sola (Santiago Giralt)

Mejor Guión Adaptado
El niño pez, de Lucía Puenzo, basado en su novela
El secreto de sus ojos, de Juan José Campanella y Eduardo Sacheri, basado en el libro “La pregunta de sus ojos”, de Sacheri
Las viudas de los jueves, de Marcelo Piñeyro y Marcelo Figueras, basado en el libro de Claudia Piñeiro
Mentiras piadosas, de Diego Sabanés, basado en relatos de Julio Cortázar
Nunca estuviste tan adorable, de Mausi Martínez y Javier Daulte, basado en la pieza de Daulte

Mejor Fotografía
Julián Apezteguía por La sangre brota
Julián Apezteguía por La ventana
Lula Carvalho por Felicitas
Héctor Molina por Días de mayo
Félix Monti por El secreto de sus ojos

Mejor Montaje
Leandro Aste por La sangre brota
Juan José Campanella por El secreto de sus ojos
Juan Carlos Macías por Las viudas de los jueves
Alejo Moguillansky y Mariano Llinas por Castro
Alberto Ponce por Mentiras piadosas

Mejor Música Original
Diego Frenkel por El vestido
Andrés Goldstein, Daniel Tarrab y Laura Zisman por El niño pez
Guillermo Guareschi por Música en espera
Juan Federico Jusid por El secreto de sus ojos
Nico Muhly por Felicitas

Mejor Dirección de Arte
Guillermo Haddad y Ana Julia Manaker por Días de mayo
Cristina Nigro por Felicitas
Paula Pires por Homero Manzi, un poeta en la tormenta
Marcelo Pont Vergés por El secreto de sus ojos
Nora Spivak y Mausi Martínez por Nunca estuviste tan adorable

Mejor Vestuario
Marta Albertinazzi por Mentiras piadosas
Beatriz Di Benedetto por Felicitas
Guillermo Haddad y Ana Julia Manaker por Días de mayo
Cecilia Monti por El secreto de sus ojos
Marcela Vilariño por Nunca estuviste tan adorable

Mejor Sonido
Jason Candler por süden
José Luis Días Cruzande por El secreto de sus ojos
Leandro de Loredo por La sangre brota
Leandro de Loredo por Manuel de Falla, músico de dos mundos
Carlos Abbate por Felicitas

Mejor Película Iberoamericana
Los abrazos rotos, de Pedro Almodóvar (España-Francia)
Batalla en el cielo, de Carlos Reygadas (México/Francia/Alemania/Bélgica)
La teta asustada, de Claudia Llosa (Perú/España)
El baño del Papa, de César Charlone y Enrique Fernández (Uruguay)
El telón de azúcar, de Camila Guzmán Urzúa (España/Cuba/Francia)

Mejor Película hablada en otro idioma
Al otro lado, de Fatih Akin (Alemania)
Belle toujours, de Manoel de Oliveira (Portugal/Francia)
Entre los muros, de Laurent Cantet (Francia)
Gomorra, de Matteo Garrone (Italia)
Katyn, de Andrzej Wajda (Polonia)

La cuestión de los festivales

¿A quienes les importan los festivales?
Primero uno o dos, finalmente cientos. Se concretan año tras año, miles de muestras, semanas, festivalitos, festivales o festivalones, mercados e infinidad de eventos que tienen que ver con el cine. ¿Es el cine industrial el culpable de todo este exceso? En buena medida si.
Tanto va el cántaro a la fuente que al final se rompe, dice la frase ya en desuso, usada por nuestros abuelos. Principio de Arquímedes o algo así.
Es importante reconocer que el primer festival del que se tenga memoria, el de Venecia, fue producto de una necesidad política y frívola nada menos que de Benito Mussolini, antecedente concreto del Berlusconi de hoy, un italiano soberbio y demagogo, demente y procaz sin límite cual padre de la horda primitiva que con la excusa de mezclar arte con luces de varieté impulsó lo que se conoce como el espectáculo juzgado no solo por un grupo de elegidos sino por una masa de público que ayudase a consolidar el negocio y oficiara, a la vez, como propaganda.
La comercialización de cine a través de salas independientes, más tarde a través de circuitos propios de cada país, a consecuencia del deterioro del tiempo insustentables, quebrados y demolidos por sus grandes e inútiles dimensiones (la competencia de otros medios que se fueron incorporando cada vez con mayor calidad, léase video, cable, DVD. Blue Ray, Internet, etc.), nacieron los complejos multisalas, en su gran mayoría instalados en centros comerciales sin acceso visual al exterior que, por sus características solo pueden estar manejados nuevamente por circuitos internacionales…
Caso curioso el del cine: cuando nació y comenzó a generar monopolios de producción, distribución y exhibición dentro de los Estados Unidos las leyes locales se les vinieron encima. Como en casa no se podía hacer, Hollywood y sus empresarios exteriorizaron los procedimientos ilegales habida cuenta de que en esos países las leyes nunca serían duras con ellos. Por lo contrario, cuando sus leyes les convienen (por ejemplos las de derecho de autor) impulsaron medidas judiciales trasnacionales, intentando aplicarlas no obstante su extraterritorialidad.
Estas presiones que motivaron en algunos países (como en la Argentina) medidas de protección a la incipiente industria local, venida a menos además por distintas circunstancias políticas y económicas graves) generaron resentimiento en una cantidad de artistas a los que les era imposible acceder a esos ámbitos en que sus obras pueden ser reconocidas por algún público.
Mientras los medios alternativos crecían –y lo siguen haciendo- entre las nuevas generaciones, todas estas semanas, muestras y festivales se fueron convirtiendo en nuevos circuitos de exhibición, en donde en calidad (no siempre) pero si en cantidad, podía conocerse ese otro cine que difícilmente pueda volverse a ver en salas y en sus formatos originales. La variable de los premios se convierte cada vez más en secundaria.
Los jurados de los festivales comienzan a repetirse. Hay directores, actores y críticos que se han convertido en figuritas repetidas de los buenos, regulares y flojos festivales que se dan aquí y allí. Algunos recuerdan a los que se conforman en programas como Showmatch o American Idol y es así que, salvo para la polémica, los premios en general han dejado de tener un peso gravitacional en el éxito o fracaso de una película.
Es más: la abundancia de festivales y la cada vez más escueta o diluida presencia en los medios de comunicación, en especial en los de papel, de la información acerca de estos encuentros están pegando una vuelta de hoja a la historia.
Un festival que no sea Cannes, Berlín o Venecia, es como una revista de tirada media perdida en un gran kiosco, en el que abundan desde docenas de DVDs, revistas de cocina y dietas, libros, o simplemente panfletos pornográficos. Un auténtico cambalache.
¿Qué clase de premio es para una película el ser incluida en la programación de un festival?
Todo está en relación directa con el contexto. Si el resto de la programación vale realmente la pena, la película elegida se destacará. Pero la mayoría de las veces eso es muy difícil de descubrir desde afuera. Los programadores de los festivales de todo el mundo son básicamente fetichistas, miembros de una elite que puede hacer lo que muchos cinéfilos no pueden. Las extensísimas listas que conforman algunos festivales son prueba de esa curiosa –egoísta- forma de ser. “Nosotros podemos verlas, vos no” parecen refregarnos aquellos que tienen todo un año a sueldo para ver película y charlar acerca de ellas entre amigos y encima les pagan para hacerlo. Hay de todo.
El achique internacional después de la crisis de finales de 2008 hace que la mayoría de estos festivales se achiquen. Solo un puñado de cuatro o cinco de los que ya son clásicos imbatibles pueden disimular los embates de la crisis, pero aún así también reflejan presupuestos que cada vez alcanzan para menos. La crisis en España determinó que su tradicional San Sebastian fuese más acotado y que el inminente de Málaga también afinara el lápiz. Aquí Mar del Plata, más allá de su propia –y eterna- problemática, hizo gala de extrema austeridad.
Berlín, Cannes, Venecia y Toronto disimularon el golpe económico durante 2009 porque la producción que pudieron exhibir era la correspondiente a 2007. Pero ¿que ocurrirá en este 2010, en el cual se verá la producción del primer año de la última gran crisis que parece haber llegado para quedarse, y por mucho tiempo?
Berlín toma la posta, al arrancar el año calendario de muestras clase “A”.
No parece, por ahora, amenazar con grandes títulos, no obstante todavía faltan 20 –de un total de 26- afectados a su competencia oficial.
El resto, en muchos de los casos, parece más de lo mismo, revistas de todo tipo perdidas en un gran kiosco.
Argentina solo aparece, por ahora, con tres títulos: uno, en Forum, El recuento de los daños, de Inés de Oliveira Cézar, dos en Panorama, es Por tu culpa, segunda película de Anahi Berneri, con Erica Rivas, el tercero, que irá en la sección Generación 14plus es Te extraño, de Fabián Hofman (recordado por sus cortos y la fotografía de Montoneros, una historia) una coproducción con México y Uruguay, que como la anterior tendrá en Berlín su premiere mundial.

10 ene. 2010

La mentira Avatar: ¿inspiración?

"La verdad no tiene remedio" díce una vieja canción. Y la verdad es que la crítica de cine local y parace ser que también la extranjera, tiene unas cuantas limitaciones intelectuales. No es la primera vez que ocurre pero, convengamos, ahora se manifiesta de manera contundente, echando por tierra su soberbia a la hora de juzgar cine. Avatar, la nueva creación de ese cineasta que supo ser revolucionarioa a la hora de presentarse con Terminator hace más de dos décadas, pero fue dando sobradas manifestaciones de su megalomanía comercial, en tanto y encuanto fue avanzando con nuevas propuestas, caso ejemplar el de Titanic. Pero la mentira tiene patas cortas y Avatar, que viene rompiendo la taquilla aquí y allí gracias entre otras cosas a una avalancha de publicidad e intromisión mediática en un público cada vez más evasivo (el norteamericano en medio de una crísis que se parece mucho a la de la década del 30) es una contundente muestra de que el plagio puede ser muy útil cuando no se tiene más que un montón de recursos técnicos ya explotados por los videogames. Es claro que Avatar es un plagio liso y llano de Pocahontas y esa verdad ya viene circulando con intensidad en la web. Algunos armados han puesto el sonido de los trailers del dibujo animado de Disney al de la reciente producción de la Fox, y viceversa, logrando verdaderas obras maestras, dignas de ser presentadas en algún juzgado norteamericano, por los herederos del autor de Mickey Mouse.
En la película de Cameron hay otras cuestiones sospechosas, como las imágenes que remiten al 2001 de Kubrick, el alarido guerrero de la extraterrestre femenina que parece el de chiiitas, los rostros pintados en esta suerte de salvajes con arcos y flechas parecidas a las de los personajes de La guerra del fuego (1981), de Jean-Jacques Annaud. Uno de los personajes, la científica encarnada por Sigourney Weaver, se la pasa fumando delante de cámara como si nada, coponiendo un personaje que nada tiene de aquel memorable Ripley (de Alien, off course) pero si del de la exploradora de Gorilas en la biebla (jajaja. Lo de los cigarrillos también ha indignado a quienes por norma habían suprimido de todos los films norteamericanos a personajes fumando en cámara.





Una verdadera paradoja, ya que durante mucho tiempo se acuso a Disney de haber metido mano en Rey Lear, de Shakespeare o en la historia animé de Simba, a la hora de construir aquel maravilloso poema épico titulado El Rey León. Con Shakespeare, no problem porque ya estaba caido en el dominio público, pero con Simba, creado en 1961 por el japonés Osamu Tezuka, dicen, hubo un arreglo económico que puso un manto final sobre el asunto.
¿Qué ocurrirá ahora que Cameron ya ha lanzado la idea de producir Avatar II y quizas algunas secuelas más?

7 ene. 2010

Opinión: Me río de estos ninjas

Andy y Larry Wachowsky, los sobrevaluados autores de Matrix, merecedores de algún aplauso por los aciertos de V de venganza y la reprobación absoluta por su versión del animé Meteoro, películas que ellos respaldaron, vuelven a las andanzas detrás de esta producción que toma a ninjas como protagonistas de una historia violenta, más fantástica que verosímil. En Asesino Ninja poco importa el argumento, que termina diluyéndose detrás de piruetas voladoras, espadas locas que cortan cuerpos a lo loco y chorros de sangre que salpicarían a la cámara si no fuesen puro efecto digital, en medio de un maremagnum de corridas, gritos y, por si no quedó en claro, un sinfín de mutilaciones y sangre. Los guerreros ninja o shinobi, eran embozados mercenarios expertos en artes marciales del Japón medieval, ya en el siglo XX solo protagonistas de películas de acción, principalmente orientales, no obstante también de parodias, como la saga de las tortugas que además de guerreras con nombres de pintores clásicos, reemplazaron la lechuga por pizza.
En esta propuesta del australiano James McTiegue (el mismo de V de venganza), el protagonista, llamado Raizo (interpretado por el actor coreano Rain) es un asesino superdotado que fue chico de la calle y de inmediato entrenado en esas lides por el Clan Ozu, una sociedad secreta cuya existencia se considera un mito. Afectado por la ejecución de su mejor amigo por integrantes de la secta, decide desertar y desaparecer, no obstante vuelve a la carga porque llegó su tiempo de revancha. Será en las calles de Berlín, dónde los miembros de clan tienen un encargo, secundado por una bonita mujer que trabaja para una agencia de inteligencia
Asesino Ninja no es más que una película de clase B bastante floja, no obstante su batería de efectos, de ese subgénero que solo sirve para que un grupo de adolescentes se reúna en una sala a oscuras para festejar o reprobar las barbaridades que se ven en la pantalla o simplemente reírse a carcajadas de sus excesos uno detrás del otro que solo confirman su vacío cinematográfico. Si bien la secuencia inicial promete, el resto no alcanza a parecerse siquiera remotamente, a los clásicos del cine dedicado a las artes marciales de la década del 60, cuando los filosos dedos de algunos karatecas, entre ellos los del mítico Bruce Lee (se acuerdan de Operación Dragón), no solían usar largas espadas pero si arrancar costillas en un periquete y sin anestesia, entre gritos, risas y aplausos de plateas adolescentes. Otros tiempos.

Claudio D. Minghetti

Asesino ninja (Ninja Assasin, Estados Unidos-Alemania/2009). Dirección: James McTeigue. Guión: Matthew Sand y J. Michael Straczynski, basado en una historia del primero. Fotografía: Karl Walter Lindenlaub. Con Rain, Naomi Harris, Sun Kang. Hablada en ingles Presentada por Warner Bros. Duración: 99’. Para mayores de 16 años.

5 ene. 2010

El capitalismo, según el cine

La película, española, se llama Concursante y su figura central es el argentino Leonardo Sbaraglia. La dirigió un tal Rodrigo Cortes y aquí nunca se estreno. Esta escena es algo así como una película dentro de la otra. Un buen momento para comparar este fragmento con el spot español de Lost, incluido en este mismo blog.

4 ene. 2010

Morir por vivir: El adiós a Sandro


El cantante y actor Roberto Sánchez, al que se conoció como Sandro de América o simplemente Sandro, nacido un 19 de agosto de 1945 en la ciudad de Buenos Aires, falleció en Mendoza, capital de la provincia del mismo nombre, el 4 de enero. Su infancia transcurrió en Valentín Alsina, en el conurbano bonaerense y tras su éxito habría de comprarse una gran mansión amurallada en Banfield, muy cerca de allí. En 1957, cuando cursaba el último año de sus estudios primarios, imitó a Elvis Presley en el acto escolar del 9 de julio. Entre sus múltiples incursiones en el mundo del espectáculo se destacó la cinematográfica, y así participó en una docena de largometrajes, la mayoría de ellos muy exitosos ubicados en la década del 70, en buena medida dirigidos o por Emilio Vieyra o por Leo Fleider. El mismo incursionó en la dirección, en 1976, un año complicado para la vida argentina, pero no le fue tan bien quizás porque el ánimo de la gente no daba para la alegria y vitalidad que siempre propuso en sus canciones. Recién cuatro años más tarde volvió a la pantalla grande con Subí que te llevo, que fue su única película no estrenada en la calle Lavalle y su despedida frente a las cámaras de cine. "Al final, la vida sigue igual", decía una de sus canciones más conocidas.
Estas fueron sus películas

CONVENCION DE VAGABUNDOS
Dirección: Rubén Cavallotti. Libro: Hugo Moser
Solo una pequeña aparición junto a su grupo Los de Fuego, interpretando el tema "Ha vuelto el rock and roll". Estreno 10 de Junio de 1965

TACUARA Y CHAMORRO, PICHONES DE HOMBRES
Dirección: Catrano Catrani. Libro: Catrano Catrani, Vlasta Lah y Augusto Ravé
Con Rodolfo Di Nucci, Julio Molina Cabral, Ginette Acevedo, Gabriel Avalos, Sandro, María Rosa Solari y elenco. Estreno 1 de Junio de 1967. Su personaje fue Severino.

QUIERO LLENARME DE TI
Dirección: Emilio Vieyra. Libro: Salvador Valverde Calvo. Música: Jorge López Ruiz. Intérpretes: Sandro, Marcela López Rey, Walter Vidarte, Soledad Silveyra, Fidel Pintos, Rolo Puente, Blanca del Prado, Linda Peretz, Tita Gutierrez, Eduardo Vener y elenco. Estreno 8 de Mayo de 1969, en el cine Iguazú.

LA VIDA CONTINUA
Dirección: Emilio Vieyra. Libro: Salvador Valverde Calvo. Música: Jorge López Ruiz. Con Sandro, Cuny Vera, Ricardo Bauleo, Ana Casares, Linda Peretz, Ricardo Castro Ríos, Elba Rosquellas, Alejandro Anderson, Polanska, Nelly Beltrán y elenco. Estreno 4 de Septiembre de 1969, en el cine Sarmiento.



GITANO
Dirección: Emilio Vieyra. Libro: Salvador Valverde Calvo. Música: Jorge López Ruiz. Intérpretes: Sandro, Ricardo Bauleo, Soledad Silveyra, Silvina Rada, Pedro Buchardo, Noemí Laserre, Carlos Muñoz, Romualdo Quiroga, Walter Kliche, Gloria Prat y elenco. Estreno 4 de junio de 1970, en el cine Normandie. El nombre de su personaje es Roberto Vega.

MUCHACHO
Dirección: Leo Fleider. Libro: Jorge Falcón. Música: Jorge López Ruiz. Con Sandro, Olinda Bozán, Diana Ingro, Francisco De Paula, Carlos Muñoz, Rolando Chávez, Elizabeth Makar, Aida Rubino, Gilberto Peyret, Irán Eory y elenco. Estreno 6 de agosto de 1970, en el cine Normandie.

SIEMPRE TE AMARE
Dirección: Leo Fleider. Libro: Jorge Falcón. Música: Jorge Leone. Con Sandro, Nancy Lopresti, Elena Sedova, Alicia del Solar, Olinda Bozán, Marcos Zúcker, Juán José Camero, Alfredo Iglesias, Lolo Prat, José María Labernié, Pablo Cumo y elenco. Estreno 1º de abril de 1971, en el cine Monumental.

EMBRUJO DE UN SOÑAR
Dirección: Leo Fleider. Libro: Jorge Falcón. Música: Jorge Leone. Con Sandro, Carmen Sevilla, Walter Kliche, Alfredo Iglesias, José María Pedroza, Antonia Herrero, Victoria Berni, María Rosa Solari, Oscar Petri, Polvorita y elenco. Estreno 8 de julio de 1971, en el cine Opera.

DESTINO DE UN CAPRICHO
Dirección: Leo Fleider. Libro: Abel Santa Cruz. Música: Jorge Leone. Con Sandro, Eva Franco, Cristina Alberó, Cristina Lemercier, Guillermo Battaglia, Alberto Fernández de Rosa, Walter Kliche, Mirta Massa, Marilú, Elena Forte y elenco. Estreno 31 de julio de 1972, en el cine Opera.Su personaje se llamaba Daniel.

EL DESEO DE VIVIR
Dirección: Julio Saraceni. Libro: Rodolfo M. Taboada. Música: Jorge Leone. Con Sandro, Elena Sedova, Norma Sebré, Juán José Miguez, Miguel Bermúdez, Ricardo Passano, Adriana Aguirre, María Amelia Ramírez, Beatríz Aguirre y elenco. Estreno 5 de abril de 1973, en el cine Alfa.

OPERACIÓN ROSA ROSA
Dirección: Leo Fleider. Libro: Sandro. Música: Jorge Leone. Con Sandro, Laura Bove, Carlos Bianquet, Luis Tasca, Ricardo Morán, Carlos Muñoz, Marilú Bollo, Luis Orbegozo, Ricardo Morán, Fernando Iglesias, Alberto Golán, Héctor Fernández Rubio y elenco. Estreno 20 de junio de 1974, en el cine Ocean.

TÚ ME ENLOQUECES
Dirección: Sandro. Libro: Jorge Falcón y Sandro. Música: Jorge Leone. Con Sandro, Susana Giménez, Héctor Pellegrini, Luis Tasca, Julio López, Ilda Fuchs, Raúl Aubel, Marcelo José, Nelly Láinez, Jaimito Cohen, Marcelo Marcote y elenco. Estreno 12 de agosto de 1976, en el cine Normandie

SUBI QUE TE LLEVO
Dirección: Rubén W. Cavallotti. Libro: Salvador Valverde Calvo. Música: Lito Valle. Con Sandro, María del Carmen Valenzuela, Darío Vittori, Julia Sandoval, Claudia Cárpena, Juán Leyrado, Eduardo Muñoz, Marisa Herrero, Adriana Gardiazábal y elenco. Estreno 21 de agosto de 1980, en el cine Plaza.

Además, Sandro inspiró -igual que Palito Ortega- nada menos que a Diego Capusotto en la creación de su impar Bombita Rodriguez, y a Cecilio, el facho. Esta es la versión Sandro de La vida sigue igual

El mural: Olivera pinta a Botana y Siqueiros


No caben dudas de que el tema elegido por Héctor Olivera para su vuelta al cine (a varios años de Ay, Juancito) es interesante: el mural encargado por Natalio Botana, el empresario periodístico propietario del diario Crítica, nada menos que al mexicano David Alfaro Siqueiros, para decorar el subsuelo de la cocina de su casa-quinta Los Granados, ubicada en la Provincia de Buenos Aires que, tiempo después (y eso ya no aparece en el relato), sería desmontado de allí y confinado en containers sin cuidado alguno y tras muchas pujas incluso internacionales (con México, obviamente), recuperado por orden presidencial (Cristina Fernández de Kirchner) y vuelto a montar en otro lugar recuperado (la vieja aduana Taylor, descubierta en los subsuelos de la zona posterior a la la Casa Rosada), que finalmente podrá ser apreciado por el mundo a partir de los festejos del Bicentenario, es decir al promediar el año que comienza.
Los televisivos Luis Machín y Carla Peterson, la múltiple Ana Celentano, el mexicano Bruno Bichir, Sergio Boris,el ya crecidito Gustavo Noya, Juan Palomino y Mónica Galán tienen a su cargo los personajes principales de esta coproducción con México. El guión de El mural pertenece al autor de La Patagonia rebelde y No habrá más pena ni olvidos, a cuatro manos con su hijo Javier Olivera (también director adjunto) y Antonio Armonía.

Lost en España: asi se hace un excelente spot

Hece poco, la Cadena 4 de la TV paga española, comenzó a anunciar el inicio de la que según adelantan, será la última temporada de la excelente serie norteamericana Lost, que allí se titula Perdidos. Tan buena resultó, que los autores de la producción decidieron que la ABC norteamericana lo reprodujera tal cual, con ún solo cambio (la voz en español sería reemplazada por entretítulos con el mismo texto).
">Sobresaliente en lo visual, estremecedora por el mensaje que transmite (parece escrito a dos manos por Bioy Casares y Borges). Un excelente ejemplo de cómo un minuto puede sintetizar el espíritu que ha guiado uno de los mejores productos televisivos de la última década y quizás de toda su historia. Para ver una y otra vez.